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17 de julio de 2017

DICCIONARIO DEL DIABLO (Ambrose Bierce - Libros del Zorro Rojo)

Dicen los expertos que la vida y la sociedad en general han cambiado drásticamente en el último siglo. Los inmensos avances tecnológicos han elevado nuestro conocimiento de un modo que ha llegado a producir un cambio de paradigma. Eso dicen. Afortunadamente, hay testigos de la historia con la mente lo suficientemente lúcida para demostrarnos que esto es una gran falacia. Diccionario del diablo de Ambrose Bierce es un ejemplo incontestable.

Escrito durante el último tramo del siglo XIX, «Diccionario del diablo» es un compendio de definiciones de términos pasados por el cínico tamiz de la pluma de Bierce, que convierte a la obra en un verdadero fresco de la estupidez humana. Siempre en tono humorístico y sarcástico, Bierce utiliza su diccionario para pintar un fresco de la sociedad de su época, añadiendo su particular visión sardónica de temas como la política, la economía,la guerra, el periodismo, el matrimonio, el hombre, la mujer, etc. Podríamos emparentar su tipo de humor al de un Woody Allen en sus mejores momentos, pero creo que la mejor manera de definir lo que encierra este «Diccionario del Diablo» es transcribir aquí un puñado de definiciones que aparecen en sus páginas:

absurdo s. Afirmación o creencia que no concuerda con nuestra propia opinión. Argumento de un adversario.
amazona s. Miembro de una antigua raza que no parece haberse preocupado mucho por los derechos de la mujer y la igualdad de los sexos. Su irreflexivo hábito de retorcer el pescuezo a los machos ocasionó la extinción de su especie.
autoestima s. Error de apreciación
bandera s. Trapo de color que se levanta sobre las tropas y que se iza en fuertes y barcos. Parece servir para el mismo propósito que los letreros que se ven en algunos terrenos baldíos de Londres: «Arroje aquí la basura».
benevolencia s. Donar cinco dólares al asilo de pobres donde está internado el anciano abuelo y publicarlo en el periódico.
canonizar s. Hacer santo a un pecador muerto.
coro s. En ópera, banda de derviches ululantes que aterrorizan al público mientras los cantantes recuperan el aliento.
diablo s. El autor de todas las desgracias y propietario de todas las cosas buenas de este mundo. Lo creó el Todopoderoso, pero lo trajo al mundo una mujer.
etnología s. Ciencia que se ocupa de las diversas tribus del Hombre, por ejemplo, atracadores, ladrones, estafadores, tontos, lunáticos, idiotas y etnólogos. Ciencia que reconoce la diferencia entre un chino y un negro, pero ignora la diferencia entre un caballero y un bellaco.
feligreses s. Sujetos de un experimento de hipnotismo.
homeópata s. Humorista de la profesión médica.
intolerante adj. Alguien que con fanatismo e intransigencia sostiene una idea que uno no comparte.
político s. Anguila en el barro fundamental sobre el que se levanta la superestructura de la sociedad organizada. Al menearse confunde la agitación de la cola con un temblor del edificio. Comparado con el estadista, sufre la desventaja de estar vivo.
sincero adj. Estúpido y analfabeto.

Si ya el contenido resulta suficientemente interesante por sí mismo, la editorial Libros del zorro rojo ha envuelto el texto de Bierce en una edición primorosa. Con tapa dura de gran calidad y revestida con una textura muy agradable al tacto, el formato elegido me parece perfecto. En la portada y el interior, encontramos otro de los grandes tesoros de este libro: las ilustraciones de Ralph Steadman, dibujante y caricaturista asociado a Hunter S. Thompson y su Miedo y asco en Las Vegas, que también ilustró. Su particular estilo casa perfectamente con el tono de Bierce y sus dibujos se convierten aquí en una pequeña obra de arte que da aún más lustre a la edición.

Resulta altamente llamativo lo increíblemente actuales que resultan los pensamientos de Bierce leídos un siglo después de su publicación. En tiempos como los que vivimos, de represiva corrección política, es un verdadero gustazo encontrarte con obras tan mordaces, ácidas y críticas como «Diccionario del diablo». Entiendo que tiene que gustarte este tipo de humor para disfrutar totalmente la lectura, eso sí. Por lo que a mí respecta, creo que Bierce nos tiene calados. No sé si esto hablará bien o mal de mí, pero reconozco que me resulta muy sencillo identificarme con la manera que tiene Ambrose Bierce de ver el mundo, así que no puedo más que recomendar el «Diccionario del diablo» fervientemente.

Mi nota: 9

14 de julio de 2017

LA INVITACIÓN (Karyn Kusama, 2015)

Will es invitado, junto a su pareja, a una reunión de amigos en casa de su ex-mujer. Aunque la velada comienza a desarrollarse con cordialidad, unos cuantos detalles hacen sospechar a Will de que hay intenciones ocultas tras su invitación .

La Invitación (The Invitation) arranca con el atropello de un coyote y su posterior sacrificio. Este hecho funciona como una poderosa metáfora de lo que vendrá después. Estamos ante un potente thriller psicológico con ramalazos de cine de terror, patentes en un brutal desenlace.

A pesar de contar con algún momento bastante tramposo, la trama que nos plantea la película está correctamente construida y cumple con su función de mantener al espectador con la incógnita de lo que realmente está pasando. Desde muy pronto queda claro que hay algo raro en esa reunión de amigos, y que la intención de los anfitriones no está nada clara. Pero la directora Karyn Kusama logra mantener nuestro interés gracias a un desarrollo lento que va sembrando continuamente la duda, además de a un fantástico grado de inmersión, ya que casi pasamos a ser unos invitados más en esa reunión.
La labor de dirección me parece brillante, ya que Kusama otorga a su cinta un tono ambiguo muy logrado además de un correcto y gradual enrarecimiento de la atmósfera. Para ello sabe colocar la cámara alternando planos abiertos con otros donde la sitúa muy cerca de los personajes, sobre todo del protagonista.

El guión, pese a presentar algún engaño chapucero, en general funciona bastante bien a la hora de esconder sus cartas basándose en una calculada ambigüedad. Aunque contenga tramos insustanciales, el espectador se verá obligado a mirar y escuchar con atención cada detalle para intentar desenmarañar lo extraño de la situación que se plantea. A eso ayuda un magnífico score que realza con gran acierto esa sensación de incomodidad creciente tanto en los personajes como en el espectador. Tal vez me sobra el innecesario plano final, de pretendida relevancia pero que en mi opinión no deja de ser un truco meramente efectista.

El reparto está bastante bien en general, aunque lógicamente brillan más aquellos con un papel más protagonista. Sin duda destaca la labor de Logan Marshall-Green, con una interpretación contenida que recuerda mucho a algunos papeles de Tom Hardy. También mencionables son el buen hacer de la dulce Tammy Blanchard y la inquietante presencia de Lindsay Burdge. El resto raya en un nivel aceptable, aunque dentro de los secundarios hay que decir que algunos de los personajes resultan meras comparsas sin demasiada importancia.

"La invitación" es otro ejemplo del buen momento que atraviesa el terror indie, aunque tal vez podríamos calificarla más apropiadamente como un trhiller. Sea como sea, una vez más se demuestra que no hace falta mucho para generar tensión en el espectador, y de alguna manera parece que el género se va vertebrando en torno a dos raíces que caminan en direcciones opuestas: una transita velozmente por el camino del efectismo barato y el susto fácil, y la otra prefiere complacerse en la creación de atmósferas sutiles y subyugantes. "La invitación", afortunadamente, se decanta por la segunda.

Mi nota: 7


12 de julio de 2017

NADIE en El Heraldo de Galactus


Hoy, en El Heraldo de Galactus, os vuelvo a hablar de una obra del canadiense Jeff Lemire. Se trata de Nadie, y en ella se nos cuenta la historia de un hombre que aparece de la noche a la mañana en un pequeño pueblo. Su apariencia es misteriosa, ya que toda su piel está cubierta por vendas, incluído su rostro. ¿Quién es este extraño visitante?

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen:

Nadie: la invisible levedad del ser


10 de julio de 2017

LLEGA DE NOCHE (Trey Edward Shults, 2017)

En los últimos años, la vertiente más indie del cine de terror nos ha venido dando bastantes alegrías a los aficionados al género. Películas de bajo presupuesto como Bone Tomahawk, La Invitación, La Bruja, Green Room, It Follows o Todavía estamos aquí engrosan una creciente lista de producciones que se han alzado con el favor de público y crítica en los últimos tiempos, evidenciando que el talento se impone al dinero de muchas superproducciones mediocres. Esta tendencia continúa con Llega de noche (It comes at night), cinta que nos proporciona otro nombre a tener en cuenta, el de su director Trey Edward Shults.

«Llega de noche» nos pone pronto en situación, mostrándose exigua en cuanto a ofrecer información. Nos encontramos con una familia de tres miembros que viven en una casa en mitad de un bosque. Por algunos detalles, intuimos que en el exterior una enfermedad incurable y muy contagiosa se ha propagado entre la humanidad. Una noche, alguien irrumpe en la casa. Y hasta ahí puedo leer. De hecho, recomiendo evitar leer sinopsis de esta película, ya que me he encontrado con unas cuantas que desvelan más de la cuenta.

Estamos ante una película pequeña, de esas que nos introducen en un espacio cerrado y ciertamente claustrofóbico, y que van introduciendo un pequeño elemento desestabilizador que termina por corromperlo todo. El director juega con el tema de la desestructuración de la unidad familiar, sugiriendo de manera casi subrepticia algunos aspectos perturbadores. En esa sutileza (casi siempre aplicada al personaje del hijo adolescente) vamos a encontrar lo mejor de la película, aunque esto queda un poco soterrado bajo las formas de un thriller convencional. El lento devenir de la acción puede suponer un obstáculo para cierto tipo de espectador, pero en una película de estas características lo veo totalmente justificado y hasta necesario.

Más allá de su hipotético contenido metafórico, «Llega de noche» funciona más como thriller psicológico que como película de terror. Y lo hace gracias a una conseguida atmósfera, que si bien no llega a ser todo lo inquietante que debiera, sí ofrece unos cuantos momentos de tensión. Creo que Shults realiza un gran trabajo de dirección, colocando la cámara siempre de manera perfecta y planificando correctamente cada secuencia. También sabe sacarle todo el partido a la casa donde transcurre la acción, convirtiéndola en un espacio bastante siniestro por momentos. Para rematar, tenemos un pequeño toque de ambigüedad en la resolución de la trama (o al menos a mí me lo parece) que contribuye a realzar nuestras sensaciones positivas. Por contra, pese a contar con un metraje de 90 minutos, encontraremos algún tramo donde el interés decrece, cosa que puede sacarnos de la película dado su lento avance.

Joel Edgerton (The Gift) es el rostro más conocido dentro del sobrio reparto del filme, en el que nadie desentona. Christopher Abbott (El año más violento), Kelvin Harrison Jr., Carmen Ejogo (Alien Covenant) y Riley Keough (Mad Max: Fury Road) completan el elenco. Como digo, todos cumplen bastante bien, en una interpretación que puede recordar en tono a una obra teatral.

Aunque tal vez quede por debajo de otros de los títulos mencionados arriba, «Llega de noche» funciona como ejercicio de thriller psicológico, planteando una de esas situaciónes en las que no sabes en quién confiar. Y como decía, el buen trabajo del director Trey Edward Shults merece al menos que le tengamos en cuenta para el futuro.

Mi nota: 6,5

7 de julio de 2017

BABY DRIVER (Edgar Wright, 2017)

Muchos quedamos un tanto decepcionados tras la salida de Edgar Wright de un proyecto como Ant-Man (Peyton Reed, 2015). A priori, hubiera sido genial comprobar cómo se desenvolvía el director en una película de superhéroes, pero tras ver Baby Driver creo que su decisión fue la más acertada. Ahora podemos disfrutarle en todo su esplendor, sin el encorsetamiento que implica el dirigir una cinta Marvel en cuanto a libertad creativa.

En un principio, podríamos definir a «Baby Driver» como una suerte de versión luminosa de Drive (Nicolas Winding-Refn, 2011). Pero ojo, esto es lo que cualquiera verá a primera vista. Sin embargo, la película de Edgar Wright contiene más sutilezas aunque tal vez no más fondo, cosa que tampoco busca. Su sencillez conceptual resulta brillante porque sirve para brindarle al espectador 90 minutos de diversión y virguería formal, en un verdadero espectáculo para los sentidos.

La trama de «Baby Driver» sigue a Baby, un adolescente inmerso en una organización criminal que se dedica a atracar bancos. El papel de Baby es el de conductor gracias a su prodigiosa destreza al volante. Las cosas no tardarán en torcerse para el protagonista, que se verá inmerso en una situación delicada de la que parece imposible salir.

Estamos frente a una película de acción desenfrenada que mezcla toques de comedia y thriller y en la que la música cobra un inusitado protagonismo. Edgar Wright demuestra que se mueve como pez en el agua en este tipo de producciones, dando buena muestra de sus habilidades ya sea a la hora de rodar planos secuencia o mediante montajes frenéticos pero al mismo tiempo totalmente vistosos. El director imprime a su cinta un ritmo endiablado ya desde la primera secuencia, que marca el tono y logra ganarnos para la causa. Todo está impregnado de ese tono cool que tanto chirría en otras producciones y que aquí funciona de manera sorprendente gracias al talento del director.

La banda sonora es ESPECTACULAR, vertebrada en torno a una serie de temas elegidos con un gusto incuestionable. Pero aún resulta más increíble ver cómo el director ha logrado conjugar imágenes y música creando algo realmente especial. Para ilustrar esto con un ejemplo, hay una impagable escena de un tiroteo en la que los disparos se ven acompañados de golpes de percusión provenientes del tema que suena en ese momento. No es fácil describirlo, creo que es algo que merece la pena ser disfrutado en una sala de cine que cuente con un buen sistema de sonido. De hecho, podríamos decir que le película pierde potencia en los escasos momentos en que las canciones son sustituídas por una banda sonora convencional. Por fortuna, esto pasa muy poco durante el metraje.

Por si todo esto fuera poco, tenemos el añadido de una galería de personajes tan estrambótica como llamativa, en la que cada uno de ellos cumple su función de un modo admirable. Casi todos los secundarios tienen su peso en la trama, beneficiados por el carisma que otorgan a sus personajes gente de la talla de Jamie Fox, John Hamm, John Bernthal (sus escasos minutos saben a poco), Eiza Gonzalez o Kevin Spacey. Pero la gran sorpresa viene de la mano del joven Ansel Elgort, el Baby del título, que muestra una sorprendente personalidad convirtiéndose en la gran revelación del filme.

Así como el protagonista hace lo que quiere con los vehículos que conduce, Edgar Wright se ha desatado manejando la película a su antojo, sabiendo en todo momento a dónde quiere llegar y plasmando sus ideas de manera virtuosa. Esta vez la publicidad no miente, «Baby Driver» es fresca, molona, moderna y al mismo tiempo clásica. Pero sobre todo es gran cine de evasión.

Mi nota: 8,5


6 de julio de 2017

PODCAST HERALDOS DE GALACTUS 1x04


Llegamos al episodio 4 del podcast Heraldos de Galactus con muchas novedades. El equipo titular, formado por Rafa J. OsunaDavid Redondo, Antonio Santaliestra y este que escribe, se ve reforzado con un invitado de excepción: Jose, una de las cabezas pensantes de los podcasts Tertulia de Tebeos y Los Cocheros de Drácula.
El cómic del mes viene de la mano de Image, y no es otro que Wytches, obra de terror que generará diversas opiniones entre los integrantes del podcast. Pero por supuesto hay más, ¡mucho más!

Aquí tenéis el contenido completo del episodio. ¡Espero que os guste!

¿Qué estamos leyendo?
David: American Gods (Dark Horse)
Antonio: The Omega Men (Tom King, Barnaby Bagenda)
JL: Ringside (Image Comics)
Rafa: Cinder & Ashe (Zinco/Planeta De Agostini)
José de TDT/Los Cocheros de Drácula: The Sandman (Neil Gaiman)

¡Viva la grapUSA!: Image rules!
Extremity
The Old Guard
Plastic

Las cosas que vienen: Hail to the King!
True Believers de Kirby
Especiales DC Kirby

Pendiente del Indie: Las mejores recomendaciones de obras indipendientes
Sinners
The Unsound

Aquellos maravillosos años
Los Nuevos Guerreros (de Fabian Nicieza & Mark Bagley)

El Cómic del mes
Wytches (de Scott Snyder & Jock, Image Comics)

Podéis escuchar y descargar el podcas en el siguiente enlace, o pinchando en la imágen:

Heraldos de Galactus 1x04: De guerreros y brujas


5 de julio de 2017

RESULTADO DEL CONCURSO DE RELATOS "ESCRITOS DE FUEGO"


Llegó el día que muchos estaban esperando. Como sabréis, las circunstancias no nos pusieron fácil llevar a buen término el concurso de relatos Escritos de fuego que nació bajo el auspicio de la desaparecida web Terror.Team. Sin embargo, los implicados en este proyecto continuamos con la ilusión intacta y nuestro objetivo no ha variado. Queremos sacar adelante como sea la antología de relatos de terror que prometimos.

Tras la ardua tarea de recopilación y lectura de todos los relatos que recibimos, los "miembros del jurado" hemos llegado a una decisión común. Creednos, no ha sido nada sencillo. Ahora es cuando podemos comprender y apreciar mejor la complicada labor de todo aquel que tiene que pronunciarse y dar un ganador en un proceso de este tipo.

Queremos recordar que el relato seleccionado se incluirá en la antología que publicaremos próximamente, y que el ganador recibirá dicha antología tanto en formato digital como físico. Del mismo modo, hemos seleccionado dos finalistas que recibirán la antología en formato digital. Sin más dilación, este es el veredicto.

El relato ganador del I Concurso de relatos "Escritos de fuego" es:

LUCES Y SOMBRAS de Jaume Vicent.

Los dos relatos finalistas son:

MALDAD de Valentín Bayón

HOY COMEREMOS CARNE de Enrique Ferrer


Enhorabuena a los premiados, y muchísimas gracias a todos los que nos habéis confiado vuestras obras. Ha sido un placer leeros a todos, esperamos poder contar con vosotros en una segunda edición del concurso. ¡Gracias!

4 de julio de 2017

AMERICAN PASTORAL (Ewan McGregor, 2017)

Antes de comenzar, he de avisar que mi opinión sobre American Pastoral se ceñirá exclusivamente a la película, ya que no he tenido oportunidad de leer la novela de Philip Roth que adapta. Lo digo porque la mayoría de críticas del debut en la dirección de Ewan McGregor inciden en una clara pérdida de punch en la comparación. Cosa que, aunque no puedo contrastar objetivamente, se intuye en el visionado de la película.

El filme nos cuenta de modo retrospectivo la historia de Seymour "el sueco" Levov, un gran atleta en la universidad que termina regentando con éxito una fábrica de guantes. Casado con una ex reina de la belleza, su vida se complica cuando su hija desaparece tras ser acusada de un atentado terrorista. A partir de ese momento, "el sueco" se dedicará en cuerpo y alma a buscar a su hija.

«American Pastoral» es una historia de desintegración, de desmonoramiento, de pérdida de inocencia y esperanza, ejemplificado en una familia que comienza siendo perfecta en apariencia como metáfora de la propia nación norteamericana. El concepto de podredumbre que ataca a los mismos cimientos de una estructura, ya sea personal o geográfica, se hace patente durante el metraje de un modo que, aunque pueda estar coartado respecto al texto de Roth, me parece bastante acertado. Es evidente que que hay detalles y aspectos que claramente no dan de sí todo lo que sugieren y se tratan de manera muy pasajera, pero en general creo que McGregor ha logrado presentar un conjunto bastante cohesionado.

Supongo que no es fácil contar una película que comprende un período temporal tan amplio. Para hacerlo todo más entendible de cara al espectador, el director utiliza el recurso de contar toda la historia a modo de un gran flashback, introduciendo además imágenes de algunos de los eventos más importantes de la historia reciente de los Estados Unidos. Tal vez sea el recurso más cómodo y menos arriesgado, pero no puede negarse que funciona.
Como decía antes, tal vez los mayores puntos negros de «American Pastoral» se deban a la falta de profundización en algunos detalles. Hay un par de momentos que sugieren elementos turbios y delicados en los que la película no acaba de entrar, simplemente los muestra sin atreverse a cruzar la línea de la corrección, y esto resta puntos. Además, hay alguna que otra caracterización de personajes bastante desacertada, que queda un tanto ridícula en pantalla.
Más allá de esto, la cinta mantiene un ritmo y una ambientación bastante correctos, que nos permiten seguir toda la historia con interés.

El peso interpretativo de la función recae en el trío formado por el propio Ewan McGregor, Jennifer Connelly y Dakota Fanning. Todos rayan a buen nivel, pero para mi gusto es la joven Dakota Fanning la que más huella deja. Su personaje es el más controvertido y, aunque puede ser difícil comprender su comportamiento, la actriz logra provocar emociones en el espectador, ya sean positivas o negativas. Dentro del elenco de secundarios, creo justo destacar la labor de una inquietante Valorie Curry y del siempre sobrio David Strathairn.

Tal vez Ewan McGregor haya apuntado demasiado alto para debutar en la dirección, pero estando claro que «American Pastoral» podía haber sido mucho más, lo que ha terminado siendo no me desagrada en absoluto.

Mi nota: 6,5


27 de junio de 2017

GHOST ISLAND en El Heraldo de Galactus


Acometemos hoy la reseña de un cómic independiente que está siendo financiado por una campaña en Kickstarter. Hablamos del número 1 de Ghost Island, obra creada por el guionista británico Joseph Oliveira y la dibujante Anabela Turlione, y que cuenta con la interesante premisa de un grupo de personas convocadas a una mansión en una isla. Allí, el dueño les explicará los planes que tiene de convertir un hospital abandonado en un parque temático de fantasmas.

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen:

Ghost Island: el parque temático del terror


26 de junio de 2017

WONDER WOMAN (Patty Jenkins, 2017)

En esta época en la que no se puede hablar de una película como Wonder Woman sin remitir a teóricos mensajes profeministas por un lado, o a una hipotética utilización de la mujer como reclamo para un público masculino por otro, yo voy a hacer justo lo contrario. Hablar de una película de superhéroes. Ni más ni menos.

«Wonder Woman» es un nuevo paso en la gestación del universo cinematográfico DC, tras las precedentes El hombre de acero (Man of steel, 2013) y Batman v Superman (2016). La aparición de la clásica heroína viene a cerrar esa trinidad superpoderosa sobre la que orbitará este universo. Lo que encontramos en la película dirigida por Patty Jenkins no es otra cosa que una típica historia de origen de personaje, adaptando lógicamente la estructura a las particularidades de un personaje como la princesa Diana de Themyscira. La película comienza con la presentación de la isla donde viven las amazonas, y en este primer tramo se nos ofrece un buen bocado de la mitología del personaje que nos servirá como trasfondo. La accidentada irrupción de un hombre en Themyscira será el catalizador que pondrá en marcha la trama.

Mucho se ha criticado hasta el momento las propuestas cinematográficas del binomio Warner/DC, siempre situándolas un escalón por debajo de lo que ha creado su máxima competidora Disney/Marvel. Pues bien, creo que en esta ocasión pocas quejas podrá haber en ese sentido. «Wonder Woman» logra con creces el objetivo de toda película del género superheróico, que no es otro que entretener. Y lo consigue gracias a un ritmo muy fluido, un guion que se beneficia de no estar atado a la continuidad actual del universo DC, y a una protagonista con mucha presencia y carisma.
Curiosamente, podemos destacar similitudes que la emparentan con dos películas Marvel. Primero, nos puede recordar a Capitán América: el primer vengador (2011) en cuanto a estar situada en una época pasada y con un entorno bélico (en este caso, la Primera Guerra Mundial). Y segundo, nos puede venir a la mente Thor (2011) debido al origen mitológico de la protagonista y al choque que supondrá su interacción con los humanos, lo cual nos dará los momentos más humorísticos del filme.

Inevitablemente, volvemos a encontrar un festival de efectos digitales y cromas, algunos más logrados que otros pero en general bien resueltos. La recreación de Themyscira es más que correcta, aunque confieso que el tramo que se desarrolla en la isla me supo a poco. Las escenas de acción me parecieron bastante decentes, no tan videocliperas como en otras películas del género. Son de destacar algunas de las espectaculares coreografías que ponen en liza las amazonas a la hora de combatir. Tal vez lo más flojo en este sentido venga justo en el enfrentamiento final, donde encontraremos los FX menos conseguidos. Esto, mezclado con un villano que no me termina de convencer y a la ambientación nocturna, casi parece remitir a la batalla final de Batman v Superman (2016) y, como digo, puede ser el mayor punto negro de la película.

Pese a las críticas que recibió la productora al elegir a Gal Gadot para encarnar a la princesa Diana, la actriz israelí consigue hacer suyo el personaje y dotarle de un alto grado de magnetismo, personalidad y carisma. Chris Pine está muy bien como el contrapunto masculino, Danny Huston cumple perfectamente su papel de malvado, y hasta Elena Anaya (cuyo personaje parece directamente salido de La piel que habito) ofrece esa villana de tono caricaturesco que toda historia de superhéroes debe tener. Pero la película es de Gal Gadot. Desde el principio hasta el final.
Eso sí, no quiero olvidar las energizantes presencias de Robin Wright y Connie Nielsen en el principio de la película. ¿Nadie más querría ver un spinoff con ellas como protagonistas?

En fin, todo lo que he escrito es para concluir que «Wonder Woman» abraza la quintaesencia del cine de superhéroes y, sobre todo, da lo que promete. Entretenimiento y diversión durante 140 minutos que se hacen cortos. Dejemos de buscar mensajes ocultos donde no los hay, y disfrutemos del verdadero cine de palomitas.

Mi nota: 7


22 de junio de 2017

I'M NOT A SERIAL KILLER (Billy O'Brien, 2016)

Con bastante retraso, pero al fin llegó a nuestro país I'm not a serial killer, película considerada como una de las sorpresas agradables del prolífico 2016 dentro del cine de género. Estamos ante una película que casi podría definirse como un remake inconfeso de Noche de miedo (Fright Night, 1985), ya que contiene muchos elementos que la emparentan con la obra de Tom Holland. «I'm not a serial killer» nos presenta a un joven inadaptado que trabaja ayudando a su madre en la funeraria que ésta regenta, mientras acude a terapia por sus tendencias psicopáticas. Su pueblo se está convirtiendo en noticia debido a la aparición gradual de un puñado de cadáveres que apuntan a ser víctimas de un asesino en serie. Bajo estas circunstancias, la relación del joven con un vecino anciano empieza a cobrar tintes extraños.

La película de Billy O'Brien adapta la novela homónima de Dan Wells, y nos ofrece un curioso tono que mezcla ironía y drama con un aspecto muy "indie", lo que unido a un guion que contiene un twist absolutamente rompedor (de esos que pueden cargarse la película entera si no comulgas con él), puede causar cierto desconcierto en el espectador. De hecho, todo ello es lo que impidió mi total disfrute de la cinta, ya que de ninguna manera esperaba lo que me terminé encontrando. Además, reconozco que, sin ser una película demasiado larga, se me hizo algo pesada en algunos tramos. Ahora bien, eso no me impide destacar sus evidentes virtudes.

Y es que la cinta se beneficia de una muy acertada ambigüedad en su planteamiento, que mantiene a la audiencia expectante ante su resolución mientras duda de cómo y por qué se suceden los hechos que vemos en pantalla. El ritmo pausado y un cierto aire costumbrista le van muy bien a esta historia, que además se beneficia del buen pulso en la dirección de O'Brien. El director consigue poner el foco de manera sutil y gradual sobre el misterioso vecino del protagonista, que irá cobrando importancia hasta convertirse en el verdadero leit motiv de la película. Aunque vamos a encontrar elementos de cine de terror, en realidad yo calificaría a la película como un thriller con momentos inquietantes.

Además del buen trabajo de dirección, el otro pilar sobre el que se sustenta «I'm not a serial killer» es su reparto principal. Max Records resulta totalmente convincente como el joven adolescente obsesionado con los asesinos en serie, y consigue darle a su personaje un punto inquietante que alterna con algún toque de sensibilidad que ayuda a que nos identifiquemos con él. Pero el que se come la película no es otro que un enorme Christopher Lloyd que realiza su interpretación de más peso en muchos, muchos años. De nuevo, la ambigüedad sobrevuela sobre su personaje en todo momento, pero será en las escenas más intensas donde, literalmente, nos pondrá la piel de gallina con su mirada, su voz y ciertos efectos de sonido que no desvelaré pero que resultan estremecedores. Me llevé una doble alegría viendo a Lloyd a tal nivel, ya que en algunos pequeños papeles recientes me daba la sensación de que el actor estaba realmente perjudicado, cosa que aquí no se nota en absoluto.

Tal vez el giro sorprendente que propone el guion pueda arruinar en parte el visionado, de hecho yo lo encontré un tanto innecesario. Pero, como todo, es cuestión de gustos. Por lo demás, creo que estamos ante una cinta más que decente que merece ser disfrutada por sus detalles de calidad y, sobre todo, por la gigantesca aparición de un magnífico Christopher Lloyd.

Mi nota: 6,5

19 de junio de 2017

KENSHIN, EL GUERRERO SAMURÁI (Keishi Ohtomo, 2012)

No hay nada mejor que ir al cine sin saber prácticamente nada de una película, y encontrarte algo que te sorprenda. De Kenshin, el guerrero samurái sólo conocía su nombre y que pertenecía a un manga de cierto renombre con temática samurái, poco más. En un pase único organizado por la cadena Cinesa, asistí a su proyección con pocas expectativas, ya que este tipo de adaptaciones no es algo que me atraiga en exceso. Lo único que esperaba era dar con un producto entretenido pero muy fan service, como suele suceder con las traslaciones del manga a imagen real.

En cambio, me encontré una película con bastante cuerpo, con una naturaleza perfectamente definida y una entidad propia. No he leído el manga que adapta, pero tras ver la película me puedo imaginar perfectamente cómo es. Y esto ya me parece una virtud del filme. Lo primero que llama la atención es lo bien dirigida que está, muy alejada de la habitual dirección plana de este tipo de adaptaciones. El director Keishi Ohtomo dota a su producción de un estilo carismático, con el que busca satisfacer no sólo a los seguidores del manga, sino a cualquiera que se acerque a la obra. Además, la película desprende en todo momento la sensación de que tiene muy claro hacia dónde se dirige. Su ritmo, pese a adolecer de algún pequeño bajón a mitad de metraje, es bastante alto y logra mantener al espectador pegado a la pantalla, cosa que no es baladí en una película con un elevado número de personajes.

Todo el reparto consigue mimetizarse con sus personajes en un ejemplar esfuerzo de llevar a la pantalla los diseños de la obra original. Takeru Satoh está perfecto como Kenshin, pero es la gran cantidad de secundarios la que aporta una riqueza especial a la cinta. Todos, tanto los que tienen más protagonismo como los que menos, aportan su granito de arena para que no nos aburramos. Especial mención para los que interpretan papeles de villanos, muchos de ellos en un tono muy caricaturesco, que lejos de restarle entidad a la película consiguen darle un carisma especial.
Por supuesto, en una historia como la serie propone «Kenshin», es importante contar con tramos de acción que estén a la altura. En ese sentido, pocas quejas se pueden poner, resultando espectacular en cuanto a las coreografías de pelea, ya sea con espadas de por medio o con las manos desnudas. También encontré muy acertado el score musical, obra de Naoki Sato, bastante épico por momentos.

La historia de «Kenshin, el guerrero samurai» no es excesivamente novedosa, ya que hemos visto la misma trama en cientos de películas de artes marciales, pero lo bien llevada y cuidada que está en todos los aspectos la convierten en una grata sorpresa dentro del género. Entretenida, espectacular y divertida.

Mi nota: 7,5


18 de junio de 2017

RESULTADO DEL III SORTEO DE ANIVERSARIO


Llegó el día de realizar los dos sorteos que teníamos en liza por nuestro tercer aniversario. Muchas gracias a todos los que habéis tenido a bien participar durante estas dos semanas, ¡confío en que la espera no se os haya hecho muy larga!

Sin más dilación, paso a comunicar los ganadores, que podréis ver en los siguientes vídeos:

Resultado III Sorteo Aniversario: Premio de Cine

Resultado III Sorteo Aniversario: Premio de Lecturas

Enhorabuena a los premiados!

14 de junio de 2017

AMINOACID BOY AND THE CHAOS ORDER en El Heraldo de Galactus


Agárrense que vienen curvas. Tras el caótico comentario que le dediqué en el podcast Heraldos de Galactus 1x03, acometo la difícil tarea de reseñar el que, posiblemente, es uno de los cómics más inclasificables, originales, surrealistas y delirantes de cuantos he tenido ocasión de leer. No diré nada más, os dejo con la reseña de Aminoacid Boy and the Chaos Order de Diego Lazzarin.

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen:

Aminoacid Boy and the Chaos Order: no has leído nada igual



13 de junio de 2017

TESTIGO (Thomas Kruitof, 2016)

Testigo (curiosa traducción para el título original La mécanique de l'ombre) es un thriller francobelga que se aleja de la concepción moderna del género para ofrecer algo mucho más cercano a productos setenteros de parecido pelaje. Estamos ante una trama de espionaje político que hurga en los oscuros recovecos de los servicios de inteligencia y de otras dudosas organizaciones que probablemente ostentan más poder del que deberían en la sociedad moderna.

El debut en la dirección de Thomas Kruitof nos cuenta la historia de Duval, un hombre que ha trabajado siempre como oficinista con un método de trabajo pulcro y disciplinado, y que tras dos años en paro recibe una misteriosa oferta para trabajar transcribiendo a papel el contenido de llamadas telefónicas. Esto desembocará en una espiral de acontecimientos cada vez más turbios que pondrán en peligro la propia vida de Duval.

«Testigo» huye de artificios y aspavientos en su desarrollo, siendo un producto sobrio tanto en su fondo como en su forma. Para ello, contamos con un ritmo pausado pero que sabe enganchar al espectador durante su primera mitad gracias a un trabajado guion. No es difícil empatizar con el protagonista, lo cual facilita que nos interesemos por su destino. Todo esto lo consigue el propio Kruitof, autor de un libreto original muy bien trabajado para que sea fácil de seguir y al mismo tiempo no deje cabos sueltos. Tal vez el problema que impide que la película sea redonda, es que cuando el misterio se desvela, todo resulta un tanto previsible. Esto lo podemos ejemplificar en el personaje femenino, claramente introducido en la trama para cumplir una función determinada durante el desenlace.

El protagonista absoluto de la cinta es el francés François Cluzet, famoso desde hace unos años por su papel en la exitosa Intocable (2011). Cluzet realiza un trabajo muy convincente logrando, como decía, que nos identifiquemos con él. Su interpretación resulta tan sobria como el propio tono del filme, y su gran parecido físico con Dustin Hoffman ayuda a relacionar la película con las producciones setenteras de las que antes hablaba.

Sin resultar redonda del todo, «Testigo» se muestra muy correcta en todos los sentidos, y su frialdad tonal se agradece en contraposición a los espectaculares (pero a menudo vacuos) thrillers que nos llegan de otras latitudes. Recomendable.

Mi nota: 7


12 de junio de 2017

HASTA SIEMPRE, TERROR.TEAM!


Dicen que todo lo bueno se acaba. Terror.Team nació casi de casualidad, agrupando a un pequeño puñado de gente que se conocía por twitter. La intención primigenia era proponer una película, verla entre todos y escribir una multicrítica donde cada uno aportara su punto de vista. Esta idea duró poco. Muy pronto se incorporaron nuevos amigos con los que crear algo un poco más ambicioso, dando lugar a lo que ha sido Terror.Team: un espacio común donde hablar del terror en todas sus vertientes. Por supuesto, en el casi año de vida de la web, las cosas fueron mutando, se marcharon unos, entraron otros, pero siempre intentamos crear contenido de calidad con una periodicidad casi diaria. 

Hoy Terror.Team ha dejado de existir. Los motivos ya no importan, todos sabemos cómo se las gasta la policía de la moral. Antes de desencadenar algo que pudiera afectarnos personalmente, decidimos cerrar este proyecto, creado única y exclusivamente para divertirnos e ilusionarnos. 

Personalmente, creo que la calidad de los artículos publicados en la web fue excepcional, tanto como el trabajo y las ganas que le pusimos al asunto. Espero que al menos un poquito de ello se trasladara a los textos que escribimos. Pero aunque el resultado fuera magnífico, claramente palidece ante la experiencia de conocer a un grupo de personas con las que identificarte, gente que te aporta y a la que aportas. Todos somos muy distintos, pero de alguna manera logramos que la suma de las partes fuera grande. Es por ello que, con tristeza pero con muchas ganas de volver a colaborar, le doy mil gracias a Aída, David, Snuff, Salva, Dan, Reverendo, Pedro, Samu, Vic, Nacho, Adrián, Álvaro y Rodrigo. Y especialmente, por la estrecha colaboración que hemos tenido desde el primer día, mi eterno agradecimiento a Hannibal, Mario y Ewoken por todo lo que he aprendido con vosotros y por hacerme ir un poquito más allá. 

Os dejo a continuación el comunicado con el que nos hemos despedido, y doy las gracias a todos los que nos han seguido y apoyado. Quién sabe si algún día volveremos con algún otro aspecto.
El Monolito siempre será mi primogénito, pero Terror.Team ha sido durante este año el mejor regalo que podían hacerme. ¡Larga vida a Terror.Team!  


6 de junio de 2017

PODCAST HERALDOS DE GALACTUS 1X03


Alcanzamos el tercer programa del podcast Heraldos de Galactus intentando ofrecer la más valiosa información del cómic con un menú en el que no falta de nada. Una vez más, el equipo formado por Rafa J. OsunaDavid Redondo, Antonio Santaliestra y un servidor, nos volcamos para hablar de muchos títulos, poniendo especial atención en el cómic del mes: Crisis de Identidad de DC. Además de las secciones habituales, incorporamos un debate que espero que os parezca interesante. Os dejo con el contenido completo del programa:

¿Qué estamos leyendo?
David: Pyongyang / Bukowski
Antonio: X-O Manowar clásico / The Sovereings #0
JL: Alien Dead Orbit / Sink.
Rafa: La Cosa (Byrne/Wilson/Sinnot) / Demon

¡Viva la grapUSA!
Black Monday Murders
Future Quest
The Flintstones

Las cosas que vienen
Marvel Legacy/Generations
Image: The Divided States of Hysteria
Dynamite Crossover: KISS + Vampirella
Betty page
Cómic Europeo : Astérix
Tomaco de Jack Kirby en Marvel para finales de agosto
The Omega Men y Sheriff de Babilonia (T. King, en tomo ECC)
Conan, el Asesino (en grapa por Planeta)

Pendientes del Indie
Aminoacid Boy and the Chaos Order
Regression
Eternal Empire
Namwolf

El cómic del mes
Crisis de Identidad (DC Comics/Planeta/ECC). ¿Cuál es la línea que no puede traspasar nunca un héroe? Tras este miniserie de 2006, nada sería igual para el Universo DC y, sobre todo, para los miembros de la JLA.

La guerra de los heraldos: zona de debate
Cómics en formato digital: ¿Sí o No? Ventajas, inconvenientes, editoriales, precios, polémicas en RRSS, piratería,etcétera.

De nuevo, recomiendo escuchar el podcast tomando notas ante la gran cantidad de obras de calidad que se comentan en el programa.

Podéis escuchar y descargar el podcast en el siguiente enlace:

Heraldos de Galactus 1x03: De crisis y pijameo

EL OJO DE DIOS (David Luna - Apache Libros)

Las oportunidades aparecen cuando uno menos se lo espera. Hacía ya tiempo, tal vez demasiado, que no leía nada de ciencia ficción. Pero, casi de casualidad, El ojo de Dios se cruzó en mi camino. Si sois lectores de este pequeño blog, tal vez hayáis notado que últimamente intento descubrir joyas ocultas alejadas de best sellers y de megaeditoriales que cada vez se acercan más a un gran monopolio cultural. Figuradamente, podríamos decir que me he pasado al bando rebelde, al de las editoriales pequeñas e independientes que luchan contra viento y marea por abrirse paso en un mercado cada vez más complicado. Una y otra vez compruebo que la escasez de medios a menudo se suple con trabajo, empeño y mucha ilusión. En este caso, el libro que nos ocupa viene publicado por Apache Libros, otra de estas editoriales que realiza un encomiable trabajo. 

«El ojo de Dios» tiene a priori unos cuantos aspectos que sin duda ayudan a decidirse por su compra. ¿Una obra premiada, escrita por un autor español, con elementos de terror, y muy cortita? Irresistible. Una vez finalizada su lectura, además, uno se queda muy a gusto. Pero vamos por partes.

David Luna nos cuenta, en este su debut en novela larga, la estancia de Deill Nerv en el planeta Dagoh, al que ha acudido en calidad de auditor para supervisar los trabajos de colonización que se están llevando a cabo. Al mismo tiempo, se le encomienda la misión de aclarar si se ha contactado con alguna raza alienígena en el planeta. Allí se encontrará con bastantes trabas por parte de todo el personal emplazado en Base Madre, la estación principal desde la que se inician todos los trabajos.

Estamos ante un relato de ciencia ficción, sí, pero que contiene una importante dosis de novela negra. Desde el principio nos daremos cuenta de que el protagonista es muy deudor del típico detective clásico al que las circunstancias van arrastrando sin que apenas pueda hacer nada por impedirlo. La propia estructura de la novela nos da una nueva semejanza con el género negro, empezando por la narración en primera persona, siguiendo con una trama que apesta a corrupción y a crímen que se nos va desvelando poco a poco, y terminando incluso por una femme fatale de manual. Todo esto ayuda a la inmersión del lector en una historia absorbente que se lee de un tirón gracias a un estilo sobrio y fluido. Encuentro también bastante acertada la utilización del recurso de las entrevistas a los soldados para ir desvelando partes del trasfondo de la historia.

Por si esto fuera poco, también vamos a encontrar pequeñas influencias de obras importantes como Solaris de Stanislaw Lem (es imposible no acordarse de Kris Kelvin al leer las andanzas del protagonista por la estación) o Tropas del espacio de Robert A. Heinlein, así como de obras pertenecientes al género de terror. A menudo la ambientación resulta agobiante y opresiva, ya sea en el espacio cerrado de Base Madre o en el exterior con el acoso de las altas temperaturas. Y por supuesto, contamos con el halo de misterio que encierra el propio planeta, y que se cierne como una sombra sobre las páginas de la novela.

Tal vez el único pero que podemos achacar a «El ojo de Dios» es su brevedad. La trama está bien explicada y desarrollada, pero tras la lectura nos quedamos con ganas de conocer más detalles de algunos personajes y del planeta imposible en que se desarrolla la acción. Tal vez en el futuro David Luna pueda retomar este particular universo que ha creado en esta novela, y que resulta fracamente interesante. En definitiva, no puedo dejar de recomendar «El ojo de Dios» a los amantes de la ciencia ficción, ya que es una lectura que te atrapa y que, desde el principio, va al grano.

Mi nota: 7,5


4 de junio de 2017

III SORTEO DE ANIVERSARIO

Pasito a pasito, nos hacemos mayores.

En estos días se cumplen tres años del nacimiento oficial de Dentro del Monolito. Los tiempos que vivimos, regidos por la inmediatez y la velocidad, hacen complicado que algo perdure en internet de manera prolongada. En estos tres años, he podido ver proyectos de todo tipo, grandes y pequeños, ir perdiendo fuelle, regularidad y, finalmente, caer abandonados presa de la falta de tiempo o la pérdida de interés de sus creadores. Es relativamente sencillo hoy día encontrar blogs cuya entrada más reciente tenga más de un año de antigüedad. Por ello, aunque pueda parecer poca cosa, para mí es un orgullo haber mantenido al blog con unas constantes vitales bastante estables durante estos tres años.

A pesar de su estoico y rígido aspecto, el Monolito es un ente vivo y cambiante, hecho que habréis podido comprobar especialmente durante el último año. La incorporación de este que escribe a dos plataformas tan maravillosas como El Heraldo de Galactus y Terror Team ha convertido al blog en una especie de lanzadera hacia contenidos si cabe más especializados. El tiempo libre es el que es, por lo que inevitablemente las entradas "oficiales" han disminuido en número. Pese a ello, creo que el contenido real ahora es mucho más variado e interesante. Por cierto, casi a modo de regalo de cumpleaños involuntario, los encantadores compañeros de isnotTV.com han tenido a bien regalarme el widget que a partir de ahora aparecerá en todas las entradas de cine, justo después de la nota, y que me parece un pequeño añadido estético que complementa y a la vez renueva el aspecto visual de cada post. Gracias, chicos!

Pero sobre todo, a nivel personal lo mejor que me ha regalado este pequeño hueco en internet es conocer a mucha gente con la que compartir intereses comunes, pasar buenos ratos, y hasta poner en marcha proyectos ilusionantes. ¡Quién me iba a decir a mí hace poco que iba a entrevistar a gente conocida, participar en un libro de relatos o colaborar regularmente en un podcast! No voy a citar a nadie porque son muchos, pero gracias a todos, vosotros sabéis quiénes sois.

Y por supuesto, y no menos importante, he de agradecer a los lectores (alguno hay, lo sé) por interesarse en todas las pequeñas opiniones que voy soltando por aquí, algunas más acertadas que otras pero todas escritas desde mis más sinceras convicciones. Y como ya hice en los anteriores aniversarios, creo que la mejor manera de daros las gracias es regalaros algo que os pueda interesar. Este año he decidido aumentar las posibilidades para que dos de vosotros seáis agraciados, dividiendo el premio en dos apartados: cine y lecturas. Y esto es lo que he decidido regalar:

PREMIO DE CINE: Pack de 2 BluRays formado por El Extraño Green Room, sin duda dos de las películas más interesantes que nos han llegado recientemente, muy diferentes entre sí pero totalmente indispensables para los aficionados al género.



PREMIO DE LECTURAS: Pack de libro y cómic formado por El guardián del miedo, antología de relatos de terror escrita por Tony Jiménez que además ofrezco dedicada por el propio autor; y House, inquietante cómic de terror "mudo" (no tiene un sólo bocadillo de texto) que fue mi primera colaboración para El Heraldo de Galactus.



Como podéis ver, creo que este año los premios son más suculentos que nunca. Para poder participar, os propongo las siguientes vías:

-Vía Facebook: dar "me gusta" a nuestra página de Facebook  (https://www.facebook.com/dentrodelmonolito) y especificar en un comentario en el post del sorteo (estará fijado mientras dure el plazo) a qué premio queréis optar (por supuesto, podéis optar a los dos).

-Vía Twitter: 
Si queréis el premio de cine, tenéis que seguirnos en twitter (@dentromonolito) y publicar un tuit que contenga el siguiente texto: Quiero el premio #CineMonolito del #sorteo que organiza @dentromonolito.
Si queréis el premio de lecturas, tenéis que seguirnos en twitter (@dentromonolito) y publicar un tuit que contenga el siguiente texto: Quiero el premio #LecturasMonolito del #sorteo que organiza @dentromonolito.
Si queréis optar a ambos premios, deberéis publicar los dos tuits.

-Vía Blog: dejar un comentario en este post diciendo que queréis participar y especificar a qué premio queréis optar (de nuevo, podéis optar a los dos).

Podéis usar cualquiera de las tres vías, o las tres a la vez, aunque ello no da más oportunidades de ganar el premio. El único requisito para participar es residir en territorio español. Realizaré los dos sorteos el domingo 18 de Junio a través de la web Fluky.io y el mismo día daré a conocer a los ganadores por las redes sociales.

¡Muchas gracias, y mucha suerte a todos!


30 de mayo de 2017

MOTRO en El Heraldo de Galactus


Volvemos a la carga en El Heraldo de Galactus, con un cómic de esos que son mi debilidad. Obras independientes que descubres casi de casualidad y que derrochan calidad. Hablo de Motro, cómic de Oni Press escrito por Ulises Fariñas y Erick Freitas y dibujado por el propio Fariñas. Tras hacer un pequeño avance en el segundo capítulo del podcast Heraldos de Galactus, aquí tenéis mis impresiones completas.

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen:

Motro: la curiosa odisea de un líder


29 de mayo de 2017

ALIEN COVENANT (Ridley Scott, 2017)

No sé si será la edad, o simplemente el haber visto ya tantas películas. El caso es que a menudo, el hype o alta expectativa sobre determinadas películas me hace poco efecto. También puede influir el haberme negado en la medida de lo posible a ver trailers, debido a la generalizada costumbre que tienen de exponer demasiados detalles relevantes de la trama. Sea como sea, acudí a ver Alien: Covenant sin esperar mucho y sin haberme informado sobre ella. Con Prometheus me pasó al revés, me dejé llevar por la brutal exposición de la campaña promocional, lo cual hizo que no pudiera disfrutar en exceso la película (y ojo, que no me desagradó). Pero esta vez, con la palabra mágica "Alien" en el título, esperaba al menos un cambio de timón que le concediera mucho más protagonismo al xenomorfo.

Sin embargo, «Alien: Covenant» es una continuación directa de «Prometheus» con todo lo que ello conlleva. Personalmente, creo que la ampliación del universo Alien que está llevando a cabo Ridley Scott propone conceptos interesantes pero al mismo tiempo innecesarios. Yo entiendo que la franquicia Alien se funda sobre unos preceptos básicos que incluyen un elevado componente de terror, una atmósfera agobiante y claustrofóbica y, sobre todo, una amenaza siempre presente en forma de bicho extraterrestre. Pues bien, en "Covenant" no vamos a encontrar esos elementos salvo en momentos contados. En una decisión discutible, el guion sigue hurgando en la lata que abrió «Prometheus» y convierte al personaje de Michael Fassbender en el verdadero protagonista de la función. Pero mientras que «Prometheus» se vendió como una especie de spinoff del universo Alien, en esta ocasión se prometía un regreso al cánon, por lo que el engaño es manifiesto. Por cierto, aquí no tenéis a Damon Lindelof para echarle la culpa del desaguisado.

Pero apartándonos de expectativas, manías personales y fidelidades temáticas, lo que me parece que supone el mayor lastre de la película es la tremenda irregularidad de su ritmo. La cinta presenta demasiados baches que le impiden pisar el acelerador, y cuando lo hace se encuentra con curvas en las que derrapa. Todo "lo prometheus" de Covenant me supone un sopor absoluto, ya que no deja de ser una repetición esquemática de su predecesora. Toda la trama que orbita sobre el androide David se me hace pesada y forzada. La cosa se recupera en los momentos en que realmente aparecen los aliens, sin duda los mejores tramos de la película, pero en conjunto se me hacen insuficientes como para defender una opinión positiva sobre la película.

Los personajes no ayudan demasiado a elevar el listón, siendo en general el típico grupo random compuesto por caracteres con poco trasfondo susceptibles de ser masacrados por la criatura sin que el espectador llegue a sentir simpatía por ellos. En el reparto, la joven Katherine Waterston no convence, palideciendo en una inevitable comparación con la Sigurney Weaver de la tetralogía original. El poco carisma de Waterston se amplía al resto de reparto, donde ni siquiera Danny McBride tiene ocasión de lucirse.

En cuanto a efectos visuales no hay que poner muchas pegas, y la recreación de los xenomorfos es intachable. También el gore es bastante satisfactorio cada vez que aparece sangre en pantalla. En cambio, la planificación de las escenas con más acción peca demasiado de montaje rápido y confuso.

En conclusión, sólo puedo decir que yo vine aquí para ver aliens, y solo los he podido ver en momentos determinados. Mi consejo: señor Scott, deje paso a sangre nueva porque la saga lo necesita como el comer.

Mi nota: 4

25 de mayo de 2017

LOS QUE MURIERON TE SALUDAN en Terror.Team


Es hora de volver a recomendar un libro de género en Terror Team. Hablamos de Los que murieron te saludan, curiosa propuesta de Hernán Migoya que narra la llegada de un escritor a un remoto pueblo peruano con la intención de documentarse sobre un supuesto caso paranormal para integrarlo en su nuevo libro. Lo que empieza como una novela casi clásica de terror, tornará hacia diferentes caminos durante su desarrollo, siempre con una ambientación magnífica.

«Los que murieron te saludan» ha sido publicado por Dilatando Mentes, editorial de la que ya comentamos las obras Babilonia y El que se esconde.

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen: 






16 de mayo de 2017

YOUR NAME (Makoto Shinkai, 2016)

Taki y Mitsuha son dos adolescentes que no se conocen. Él vive en Tokio y ella en un pequeño pueblo de la periferia. Un día descubren que cada uno de ellos despierta en el cuerpo del otro durante días aleatorios. Idearán entonces un sistema para poder comunicarse y empezar a conocerse. 

Esta sinopsis, que leída tal cual le otorga a Your name un estátus de comedia romántica en toda regla, no hace justicia a la que se ha convertido en la película de moda en el cine japonés, batiendo récords de recaudación y logrando que su director Makoto Shinkai haya sido comparado con Hayao Miyazaki. ¿Es «Your name» para tanto?
Aunque la premisa del intercambio de cuerpos no es del todo novedosa, habiéndola visto ya en unas cuantas comedias, «Your name» le da una interesante vuelta de tuerca al concepto. La película de Shinkai retoma el desenfadado tono de las comedias romanticonas que proliferaron durante el boom del cine asiático en los primeros dosmiles, sólo que como veremos más adelante termina convirtiéndose en otra cosa.

Una de las virtudes de la película es el ritmo que le otorga su director, un ritmo dinámico pero dedicando el tiempo necesario a establecer la premisa y a desarrollar a los personajes. Pese a ello, creo que se desaprovechan un poco las posibilidades que plantea el concepto del intercambio de cuerpos, que se queda en un par de gags recurrentes pero poco más.
En cuanto al guion, lo que en un principio se plantea como una comedia romántica pega un sorprendente giro a mitad de película que es lo que le da su verdadera entidad, convirtiéndola en un drama fantástico con toques de ciencia ficción y aportando una profundidad mucho mayor de lo que prometía. En cambio, el componente romántico lastra ligeramente el conjunto, con la introducción de unas canciones demasiado melosas. Esto es achacable a la identidad puramente japonesa de la película.

Visualmente «Your name» es irreprochable, con unas cuantas postales dignas de enmarcar. El nivel de detalle que alcanza el dibujo es sorprendente, sobre todo en cuanto a la representación de objetos o decorados. En ello, el diseño artístico también tiene oportunidad de lucirse al mostrar con acierto el contraste entre un entorno rural y una gran ciudad, lugares donde residen los protagonistas. Sin duda es una película bonita de ver.

Mi veredicto es que, aunque la influencia de Miyazaki es obvia y acertada, y aunque reconozco que el giro que pega la película me sorprendió totalmente, y que esto le otorga una fuerza mucho mayor de lo que podría parecer, en conjunto no me termina de parecer redonda por el excesivo tono "ñoño" de muchos de sus tramos. Esto lo podéis achacar directamente a que soy un viejo rancio, por lo que posiblemente muchos de vosotros, queridos lectores, sabréis disfrutarla plenamente.

Mi nota: 6

11 de mayo de 2017

MUNDO EXTRAÑO en El Heraldo de Galactus


Toca hablar en El Heraldo de Galactus de una original y adictiva obra que nos llega de la mano de Vicente Montalbá. Anteriormente pudimos disfrutar del arte de Montalbá poniendo los lápices en la estupenda Carroñero, pero ahora llega como autor completo de Mundo Extraño.

Estamos ante un cómic que derrocha imaginación y en el que encontraremos una entretenida mezcla de aventuras, ciencia ficción, humor y, por qué no, una pizca de metafísica. Con estos ingredientes, Montalbá hace además un curioso homenaje al mundo de los videojuegos aplicando su particular estilo de dibujo.

Podéis leer la reseña completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen:

Mundo Extraño: pulse play para jugar


10 de mayo de 2017

PODCAST HERALDOS DE GALACTUS 1x02


Parece mentira, pero ya está aquí el segundo programa del podcast Heraldos de Galactus. El equipo titular, formado por Rafa J. OsunaDavid Redondo, Antonio Santaliestra y este que escribe, vuelven para dar un repaso a lo que se cuece en el mundo del cómic. En esta ocasión, aprovechando el 25 aniversario de Image Comics, vertebramos el programa alrededor de la compañía, hablando primero de su historia desde sus inicios hasta su esplendoroso presente, y cerrando con Clase Letal como cómic del mes. Pero hay mucho más, como podéis ver en el contenido por secciones que os dejo a continuación:

Qué estamos leyendo:
David: Empress / Los Buenos Veranos
JL: Motro y Mundo Extraño
Antonio: Afroyaya / El Castigador de Dillon
Rafa: Ether/Medina

Aquellos ¿maravillosos? años:
Años 1992: ¿Cómo nace Image Comics? ¿Quiénes son los artífices de esta revolución? ¿Qué pasó realmente? ¿Qué obras llegaron y cómo cambió la cara del cómic norteamericano? Una nueva década: Cambio de paradigma y cómo ha llegado Image a ser lo que es en la actualidad.

¡Viva la grapUSA!
David Redondo nos trae en su sección obras como:
Snotgirl
Lake of Fire
Plutona
Kill or be Killed.

Pendiente del indie: Image es imparable:
Nowhere Men
Saga
Clase Letal
The Wicked+The Divine
The Walking Dead
Nameless
She-Wolf
Moonshine
Este del Oeste
Los Proyectos Manhattan
Invencible
The Wicked + The Divine
Sex Criminals
green Valley
... ¡Y muchos más comentarios sobre títulos geniales!

El Cómic del Mes: Clase Letal (Deadly Class)
Imprescindible obra de Rick Remender (Guion), Wes Craig (Dibujo) y Lee Loughride & Jordan Boyd al color.

Anécdotario, Top 3 personal y despedida y cierre.

Mi consejo es que escuchéis atentamente el podcast con lápiz y papel a mano, porque la cantidad de recomendaciones por minuto que ofrecemos es de récord. ¡Nadie da más por menos!

Podéis escuchar y descargar el podcast en el siguiente enlace:

Heraldos de Galactus 1x02: De imágenes y palabras

9 de mayo de 2017

WOLVES AT THE DOOR en Terror.Team


Hoy hablamos de Wolves at the Door en Terror Team. Se trata de la nueva película del director John R. Leonetti tras la buena impresión que dejó con Annabelle (2014) (sí, ya sé que es una opinión que no comparte casi nadie, qué le vamos a hacer). 
«Wolves at the Door» se inmiscuye en el tristemente célebre asesinato de la actriz Sharon Tate y sus acompañantes por parte de la "familia" de Charles Manson. Lamentablemente, y pese a contar con tan impactante premisa, la película no cumple ninguna expectativa limitándose a avanzar de manera plana y poco original.

Podéis leer la crítica completa en el siguiente enlace, o pinchando en la imagen: 





3 de mayo de 2017

LADY MACBETH (William Oldroyd, 2017)

Durante el metraje de Lady Macbeth, vemos un mismo plano repetido en varias ocasiones. Se trata de algo cotidiano y sin aparente relevancia, la protagonista bajando las escaleras de la casa que habita. La casa se ve sobria, pero cuidada con una minuciosa pulcritud. Las ropas de la mujer son algo más pomposas, perfectas en su papel de mostrar una elegante ostentación. Pero en todas las ocasiones hay un detalle que rompe con este cuadro perfecto. El pasamanos en el que se apoya la mujer está desgastado, su pintura hace tiempo que se cayó, dando la sensación de metal oxidado. El símil que nos propone esta imagen describe a la perfección «Lady Macbeth», ya que la película del debutante William Oldroyd nos habla fundamentalmente de la inevitable podredumbre del alma humana, a pesar de su impoluta apariencia exterior.

La película adapta el relato Lady Macbetch de Mtsensk, historia corta escrita por Nikolái Leskov y publicada en 1865. En ella asistimos a la aburrida vida de Katherine, una joven que se ve casada con un noble al que no conoce. El escaso contacto que mantiene con su marido la llevará a comenzar un apasionado romance con uno de los trabajadores de la casa.  

De primeras, lo más evidente en «Lady Macbeth» es la absoluta sobriedad de su propuesta, con una narración fría y lenta que exige cierta paciencia por parte del espectador. De hecho, la película carece de banda sonora incluso en los títulos de crédito finales, lo cual da buena muestra de la asepsia formal de la cinta. Sin embargo, esto no le resta contundencia a este drama con aires de tragedia clásica, más bien al contrario hace que los momentos más crudos resulten doblemente efectivos. Hay bastante del estilo de Michael Haneke en esta ópera prima, obligándonos a apuntar el nombre de William Oldroyd en la lista de directores a quienes seguir la pista.

La economía de medios no hace mella en el apartado visual, que cuenta con una iluminación apagada pero que aporta el tono perfecto para una historia con tintes bastante oscuros. Pero sin duda, una vez vista la película, cuesta imaginársela sin la arrolladora presencia de la joven actriz Florence Pugh, quien compone un papel protagonista memorable que consigue al mismo tiempo fascinar y repeler al espectador. Ella es el corazón de una trama de violencia contenida por enclaustramiento, que termina explotando sin medida alguna.

No será «Lady Macbeth» un éxito en su paso por salas o en cualquiera de las plataformas donde termine recalando, pero el verdadero cine sabe expresarse mucho mejor en este tipo de películas de silencios incómodos y alientos contenidos. Aún con sus imperfecciones, merece mucho la pena.

Mi nota: 7

28 de abril de 2017

EL BAR (Alex de la Iglesia, 2017)

Las películas de Alex de la Iglesia suelen ser como un tiovivo en el que nunca sabes bien dónde te va a tocar sentarte. Pese a no haber visto sus últimas películas, considero que generalmente el director convierte a sus obras en una especie de montaña rusa imprevisible, alternando picos gloriosos con descensos de vértigo cuando menos te lo esperas. El Bar, su última producción, es un nuevo ejemplo de ello.

La premisa que ya avanzaba el sugerente tráiler con que se promocionó la película resulta bastante llamativa, con un pequeño grupo de personajes que quedan aislados en el interior de un bar mientras comprueban que en el exterior todo el mundo ha desaparecido. Y cada vez que alguien sale fuera del bar, muere de un disparo. Alex de la Iglesia aprovecha esta situación tan peculiar para enganchar al espectador mientras aplica su particular sentido del humor al tono de la película. Al igual que los personajes, nosotros tampoco sabemos qué está pasando hasta que el guion decide explicarlo a mitad de metraje. Ahí se pierde un poco la sorpresa, pero también es el punto de inflexión que marca el cambio hacia el desmadre.

Aunque me suele pasar el efecto contrario, curiosamente "El Bar" me funciona mejor cuanto más excesiva se vuelve, ya que los tiempos muertos o los momentos en los que la única acción es verbal están para mi gusto muy poco aprovechados. Pese a ello, la labor de dirección me parece impecable, logrando algunos momentos muy vistosos totalmente made in De la Iglesia.

Algo parecido sucede con los actores, siendo el mejor ejemplo de esto el trabajo de Blanca Suárez, que luce poco hasta que se convierte en una auténtica survival queen culminando en lo mejor de la película en la secuencia que vemos durante los títulos de crédito. Del resto del plantel creo justo destacar a Jaime Ordóñez, que roba la función gracias a su histriónico personaje. Los demás cumplen correctamente, pero para mi gusto la mayoría podía haber dado algo más de sí.

Una vez más, Alex de la Iglesia firma una película inclasificable que tiene partes de thriller, de acción, de terror y, por supuesto, de comedia negra. El gran valor de «El Bar», que puede ser extrapolable a buena parte del cine del director, es la demostración de un estilo propio e irrenunciable que, guste más o menos, se sale de lo habitual.

Mi nota: 6,5