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24 de mayo de 2015

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA (George Miller, 2015)

En una Tierra postapocalíptica, Max Rockatansky es apresado por un grupo y llevado como prisionero a la Ciudadela, un lugar dirigido por el cruel Immortan Joe. Allí, se verá inmerso en una persecución y terminará cooperando con la rebelde Imperator Furiosa en su intento de venganza.

Me extenderé poco, pues sólo puedo sumarme a la (extraña) unanimidad a la hora de alabar esta película. Con 70 años recién cumplidos, George Miller firma una de las películas más adrenalíticas y con mejor ritmo de los últimos tiempos con el mismo ímpetu del camión cisterna que conducen los protagonistas, y atropella sin cortapisas a directores a los que dobla la edad. El extraordinario pulso con el que están rodadas todas las secuencias de acción ya deja por los suelos al 90% de películas del género actuales, que normalmente optan por un montaje torpe y confuso a la hora de mostrar este tipo de escenas.
Todo aquí está al servicio de ese ritmo trepidante que te atrapa casi desde el principio. El monumental montaje, la tremenda puesta en escena, la saturada pero embriagadora fotografía, la banda sonora a ratos sutil a ratos abrumadora (el personaje del guitarrista me parece brutal)... tantos y tantos aspectos sobresalientes sólo para que el espectador pase dos horas pegado a la butaca. Aquí el guión es lo de menos aunque también está perfectamente medido para que la acción tome el protagonismo.

Tom Hardy está sublime y no creo que nadie eche en falta a Mel Gibson. Me encanta la poca locuacidad de su Max Rockatansky que a ratos se comunica apenas con gruñidos.
Pero tal vez sea esa memorable Imperator Furiosa a la que da vida Charlize Theron el personaje más carismático de la película. La sudafricana roza la perfección creando un personaje atormentado en busca de venganza, y logra transmitir una gran intensidad con apenas unos pocos gestos.

Supongo que a estas alturas poca gente apostaba por esta nueva incursión en el universo Mad Max, pero lo cierto es que el señor George Miller ha callado bocas con un peliculón como la copa de un pino, de esos que te dejan con ganas de volver a verlo cuanto antes. Tremebunda orgía visual y acción, acción y más acción. Ve a verla con ropa sucia, porque saldrás cubierto de arena!

Mi nota: 8,5


22 de mayo de 2015

DOGGY BAGS VOL. 1 (Run, Maudoux, Singelin - Dibbuks)


Viendo la portada de esta primera entrega de Doggy Bags nos podemos hacer una idea de lo que vamos a encontrar en su interior. Aparte del dibujo elegido, los numerosos rótulos ya nos meten en situación recordándonos estéticamente a todas esas películas casposas de serie B que eran tan habituales en los videoclubs allá por los 80.

Doggy Bags vol. 1 es una recopilación de 3 historias cortas de autores franceses, totalmente plagadas del terror, humor, violencia y gamberrismo que tanto abundaban en los programas dobles que se exhibían en los cines "grindhouse" americanos. Vamos, puro exploitation trasladado a viñetas. Como digo, el programa doble es en este caso triple y tenemos variedad para distintos paladares.

En la primera historia, titulada Fresh Flesh & Hot Chrome y creada por Guillaume Singelin tenemos un cóctel de bandas moteras y hombres lobo que comienza nada más y nada menos que con una canción de la Creedence Clearwater Revival para marcar el tono.

Fresh Flesh & Hot Chrome
En el segundo relato, titulado con el nombre de su protagonista Masiko, Florent Maudaux nos ofrece una trama que oscila entre Lobo Solitario y su cachorro y Kill Bill (o Lady Snowblood, como prefieran) con una voluptuosa heroína y un marcado tono manga.

Masiko
De postre tenemos la que en mi opinión es la mejor historia de las 3: Vivo o muerto. Firmada por Run, se trata de una historia en el desierto digna de los mejores episodios de En los límites de la realidad o Creepshow, donde un policía persigue a un asesino con sorpresivas consecuencias.

Vivo o muerto
Como en toda obra de varias historias, algunas gustarán más que otras, pero en general el nivel es más que aceptable. No busquéis aquí obras maestras con dobles sentidos, porque "Doggy Bags" no persigue otra cosa que entretener y homenajear, y eso lo logra con creces.

Aunque los guiones no son superlativos (ni intentan serlo), encajan perfectamente en esta edición tanto por ritmo como por frescura. Los dibujos acompañan perfectamente cada uno a su estilo, y consiguen crear la ambientación necesaria para introducirnos en cada relato desde la primera viñeta. Mención aparte para las páginas de introducción a cada capítulo, donde se nos presenta con todo lujo de detalles un objeto relacionado con la historia que va a continuación, acompañado de una retahíla de anuncios retro de esos que poblaban las publicaciones más pulp de hace unas décadas.
Para esta edición, Dibbuks ha optado por un formato rústica y un tamaño intermedio entre un libro y un cómic en grapa, que se hace muy manejable y resulta el compañero ideal en los trayectos en metro tanto por tamaño como por brevedad de las historias y el entretenimiento que ofrecen.

Mi nota: 7


18 de mayo de 2015

LA CANCIÓN DEL MAR (Tomm Moore, 2014)

Con esta película basada en el folclore irlandés, Tomm Moore vuelve a mostrarnos, como ya hiciera en la maravillosa El secreto del libro de Kells (2009), un universo muy particular que se apoya en antiguas leyendas y en un detallado preciosismo en las imágenes. La canción del mar es una de esas películas de animación que emociona al espectador primero con la belleza de sus diseños y después con una historia conmovedora.

Aunque la trama no sea la más original del mundo, la manera en que está tratada es lo que marca la diferencia con otras películas animadas. Conceptualmente está mucho más cercana al espíritu del estudio Ghibli que a Pixar, en cuanto que toma un escenario realista en el que se van introduciendo elementos fantásticos. Como decía, la historia se basa en la antigua fábula de las selkies, seres mitológicos mitad focas mitad humanos. Por tanto, tenemos una parte mágica que es muy importante en la película, así como también podemos ver un tramo que toma elementos del clásico "viaje del héroe" tan arquetípico de las grandes epopeyas. La doble lectura que aporta la historia tiene que ver con el paso de la infancia a la edad adulta.

El increíble trabajo que hay detrás del diseño de cada fondo y cada personaje resulta sencillamente espectacular, y se traduce en una experiencia visual única que nos recuerda que la animación tradicional aún tiene mucho que decir cuando se utiliza con tanto mimo. El trazo tan característico que ya anticipaba "El secreto del libro de Kells" resulta hipnótico, es casi como estar viendo un cuadro en movimiento, lleno de color y de detalle para nuestro deleite. Además, la música acompaña la narración de manera espléndida acentuando el tono melancólico de muchos de los pasajes.

Para acabar, he de decir que tenía dudas de que este tipo de películas pudiera interesar al público infantil, ya que se me antojaba más apta para los adultos. Pero en el cine había unos cuantos niños de muy corta edad que disfrutaron de lo lindo y, por los comentarios que hacían, se enteraron perfectamente de la película.
Así pues, La canción del mar es una auténtica delicia que apuesta por los métodos artesanales y reivindica una forma de contar historias mucho más añeja, inocente y edificante. Preciosa.

Mi nota: 8,5



14 de mayo de 2015

GÜEROS (Alonso Ruizpalacios, 2014)

La madre del joven Tomás, harta de su comportamiento rebelde, decide enviarle por un tiempo junto a su hermano mayor. La llegada de Tomás es el catalizador para que los dos hermanos, junto a su compañero de piso, se embarquen en un extraño viaje en busca de Epigmenio Cruz, un músico al que ambos admiran desde la infancia.

Lo primero que hay que decir de Güeros para que nadie se lleve a confusión es que es una película rara, a ratos puramente experimental, y que utiliza resortes poco comunes para transmitir sensaciones. Es de agradecer que aún haya directores hoy en día que intenten arriesgar en su debut con propuestas poco usuales, e independientemente del resultado final no se puede negar que Alonso Ruizpalacios ha conseguido una obra original.

En mi opinión, Gūeros está compuesta de luces y sombras. El arranque me parece espléndido, pues consigue el objetivo de interesar y enganchar al espectador. Sin embargo, poco a poco va derivando en secuencias un tanto inconexas que logran el efecto contrario y hacen que lleguemos al final de la función casi por inercia. Pese a ello, es cierto que el director logra dotar a gran parte de la película de un extraño magnetismo que la mantiene a flote.
La idea de la trama principal, la búsqueda del misterioso cantautor "que una vez hizo llorar a Bob Dylan" me resulta muy atrayente, ya que anticipa toda una road movie mostrando un México oscuro y algo bizarro pero lamentablemente el director no consigue sacarle todo el partido a ese concepto y se queda un poco a medias. Para más inri, nos cuela toda la historia de una huelga estudiantil de nulo interés y que sirve como mera excusa para introducir a la chica. Creo que eliminando esta subtrama, o al menos reduciéndola bastante, la película hubiera quedado mucho más redonda.

El aspecto técnico está sumamente cuidado y toma gran importancia, sobre todo en el apartado sonoro. Ruizpalacios hace un curioso uso del sonido, por ejemplo amplificando la respiración de uno de los personajes en ciertos momentos para crear angustia. En cambio, cuando los protagonistas se colocan los auriculares para escuchar la música del cantante al que buscan, el director elimina todo el sonido logrando un efecto novedoso y que sirve para dar más misterio a ese Epigmenio Cruz.
El blanco y negro, aunque le va bien a la película, no era necesario y lo veo como algo accesorio y un tanto pretencioso.

Todos los actores, totalmente desconocidos por estos lares, están francamente bien destacando especialmente a la pareja de hermanos. Ambos constituyen un curioso contrapunto y a la vez se complementan a la perfección.

Acabando, podemos decir que Güeros aprueba raspado. No le niego las virtudes que tiene, y reconozco que la dirección de Alonso Ruizpalacios es brillante por momentos y posee ideas muy buenas, pero el regusto final termina siendo insatisfactorio. Para mí, no acaba de encontrar su tono y el tener un lado experimental tan marcado es un arma de doble filo y puede llegar a aburrir. Dicho esto, lo mejor es recomendar que vayan a verla y juzguen por ustedes mismos. Eso sí, dejando muy claro que no es una obra orientada para un público mayoritario, ya que da prioridad a la forma sobre el fondo y sacrifica en parte la estrucutura narrativa (aunque hay una trama lineal) en favor de lo sensorial.

Mi nota: 5

11 de mayo de 2015

ECOS (Joshua Hale Fialkov, Rahsan Ekedal - Norma Editorial)



En su lecho de muerte, el padre de Brian le confiesa un terrible crímen que cometió y le urge a recoger una caja que está escondida en una casa y que da testimonio de esos crímenes. Atónito, Brian acude a ese lugar para comprobar si su padre decía la verdad o si todo era producto de su enfermedad mental.

Ecos es una magnífica historia de terror que nos trae el guionista Joshua Hale Fialkov y que supone una extraña pero estimulante mezcla de temas difíciles como son las enfermedades mentales y los asesinatos en serie. Con estos elementos el relato podía haber caído fácilmente en la ridiculez, pero Fialkov se las apaña para crear una trama plena de tensión con numerosos giros que sorprenden y con una tremenda carga de ambigüedad que consigue que el lector dude hasta el último momento de si lo que se nos cuenta es real o no.


El gran acierto de Fialkov es sumergir totalmente al lector en la torturada y trastornada mente del protagonista, y hacerle afrontar con su misma incredulidad los terribles descubrimientos que éste va haciendo. El personaje sufre la misma enfermedad mental que acabó con su padre, y eso le hace cuestionarse en todo momento la veracidad de lo que está viviendo. Y como decía antes, esa misma incertidumbre se instala en el lector al mismo tiempo que una creciente sensación de angustia. Pese al componente dramático, estamos ante una historia de terror puro y duro, y debido a los temas que trata resulta mucho más inquietante que otros relatos más fantásticos. Desde luego, nunca el término "terror psicológico" se podría aplicar mejor a una obra.

El dibujo de Rahsan Ekedal queda totalmente al servicio de la historia, e incide con perfección en la dualidad del relato. El descenso a la locura del personaje principal queda perfectamente retratado en un dibujo realista en crudo blanco y negro y unas composiciones de página que complementan perfectamente la sensación de inquietud y claustrofobia que transmite el guión. Algunas expresiones faciales están realmente logradas y resultan perturbadoras.


Por tanto, estamos ante un cómic redondo que se lee en un santiamén pero que exige cierta atención. Norma Editorial recopiló los 6 números que componen la obra en un tomo tamaño libro que resulta muy manejable. Como extras se han añadido diferentes bocetos y anotaciones de los autores que son de sumo interés para cualquier aficionado, pues explica el proceso creativo y nos amplía la perspectiva con la que hemos de apreciar la obra.

Mi nota: 8

7 de mayo de 2015

SWEET HOME (Rafa Martínez, 2015)

Alicia aprovecha su condición de asesora inmobiliaria para darle una sorpresa a su novio y celebrar su cumpleaños en un piso abandonado. Pero durante la velada, se darán cuenta de que hay alguien más en el edificio.

Gracias a la buena gente de Aullidos pudimos disfrutar del preestreno de esta película que supone una buena carta de presentación para su director Rafa Martínez. Tras unas simpáticas palabras del propio director y algunos de los actores, comenzó la proyección de Sweet Home. Acudí al pase totalmente vírgen, sin saber absolutamente nada de la película y sin haber visto más imágenes que la del póster. Digo esto porque el ir sin ningún tipo de expectativas a una proyección puede influir sobre el resultado, y en este caso me llevé una agradable sorpresa.

"Sweet Home" es una cinta de terror que, sin inventar nada nuevo, está rodada con buen pulso y consigue momentos de atmósfera bastante logrados. Podríamos decir que estamos ante un Rec (2007) sin zombies, ya que toda la acción transcurre dentro de un edificio de viviendas localizado en Barcelona y muy similar al de la película de Balagueró y Plaza
El desarrollo de la trama es totalmente típico y aporta pocas sorpresas, pero está muy bien contado. Te mete en situación desde el principio, pero arranca de verdad cuando hace su aparición el personaje del exterminador. A partir de ahí toda la intensidad se va incrementando hasta llegar a un clímax tan predecible como agradecido. Los momentos de tensión se suceden, estando unos más logrados que otros. La carga de violencia y sangre es bastante generosa pero sin llegar a saturar ni molestar.
Técnicamente la película no desentona, y los momentos más truculentos están bastante bien resueltos. Incluso aporta alguna buena idea en cuanto al modo de deshacerse de esos desagradables restos que hay que limpiar.

Del corto reparto hay que destacar sin duda el trabajo de Ingrid García Jonsson, convertida aquí en una scream queen en toda regla y que aguanta sin problemas todo el peso de la película. Junto a ella aparece el veterano José María Blanco en un pequeño papel, y otros actores poco conocidos como Bruno Sevilla u Oriol Tarrida.

Para terminar, hay que apuntar que "Sweet Home" tiene un ligero fondo de crítica social, tocando el tema de los deshaucios y la especulación inmobiliaria de un modo similar a como hacía la hongkonesa Dream Home (2010) aunque sin llegar a sus excesos.
Pese a ser predecible y poco original, "Sweet Home" luce orgullosa su espíritu de serie B rodada con mucho mimo. Para ser una ópera prima, a Rafa Martínez le ha quedado una película simpática y resultona, y eso, hablando de cine de género en España, ya es mucho decir.

Mi nota: 6,5

5 de mayo de 2015

THE WOODS (James Tynion IV, Michael Dialynas - Medusa Cómics)


El instituto Bay Point de Milwaukee, con más de 500 personas en su interior, desaparece un buen día de la faz de la tierra para aparecer en un remoto planeta totalmente desconocido. Mientras intentan averiguar cómo han llegado hasta allí, estudiantes y profesores intentarán sobrevivir en un ambiente hostil.

Publicada originalmente en los USA por Boom Studios, The Woods se convierte, junto a The Other Dead, en la primera obra que nos trae la nueva editorial Medusa Cómics. La historia que nos presenta el guionista James Tynion IV es a partes iguales original y extravagante, y sirve como excusa para plantear conflictos entre los personajes en una especie de mezcla entre El señor de las moscas y Perdidos en un tono que oscila entre aventura y terror.


Este primer volúmen se lee en un santiamén debido a que la trama avanza a todo trapo, casi sin dar respiro al lector. Pese a que estamos ante una lectura ligera y entretenida, "The Woods" adolece de unos cuantos problemas. En primer lugar, el target de la obra no está muy definido. A ratos parece una historia claramente dirigida a un público juvenil, pero en otros momentos aparecen detalles siniestros que la acercan más al lector adulto.
Por otra parte, las reacciones de los personajes a los sucesos que van ocurriendo no son nada naturales. Esto lo causa la excesiva velocidad con que se desarrolla la trama, y es que el guionista mete tantas cosas que se olvida de darle su tiempo a los personajes para que queden mínimamente perfilados.
Para terminar, creo que las subtramas más malrrolleras quedan algo desaprovechadas y que el guionista pasa muy por encima por ellas. Pero esto es remediable, ya que esto es tan sólo el inicio y espero que en próximos volúmenes aumente la intensidad en este sentido.

El dibujo de Michael Dialynas no es especialmente llamativo ni espectacular, pero tampoco estorba ni se convierte en un impedimento para que disfrutemos de la obra. Podríamos decir que cumple con corrección y que su estilo no encaja mal con lo que se nos cuenta. La edición que nos trae Medusa Cómics con este volúmen es más que correcta, habiendo elegido el formato Rústica y englobando los cuatro primeros números de la colección. Se añaden todas las portadas originales y unas cuantas portadas alternativas muy curiosas.


Pese a los defectos que presenta "The Woods", al terminar este primer volumen nos quedamos con ganas de más ya que estamos ante una obra entretenida que se lee rápido y que cuenta con un amplio margen de mejora. Su originalidad y las posibilidades que ofrece hacen que sea una serie a seguir. Y por supuesto, siempre es una gran noticia que nazca una nueva editorial que amplíe el espectro comiquero en nuestro país.

Mi nota: 6

3 de mayo de 2015

ABSENTIA (Mike Flanagan, 2011)

El marido de Tricia desapareció hace siete años. Pese a que ella aún conserva alguna esperanza de que algún día vuelva a aparecer, el tiempo transcurrido hace que tenga que declararle oficialmente muerto. La hermana de Tricia se instala en su casa para ayudarla a rehacer su vida, hasta que un día sucede algo inesperado.

Absentia es un pequeño film de terror independiente que tiene muchas de las virtudes y los defectos de este tipo de producciones, pero que realmente aporta un punto de vista más original de lo acostumbrado. Para que nos situemos, hay que empezar diciendo que la película está parcialmente financiada por la plataforma de crowdfunding Kickstarter, y que está rodada con cámaras fotográficas Canon. Esto nos habla de la precariedad presupuestaria, que termina notándose en un cierto aspecto visual telefílmico y en una escasez total de efectos especiales.
Sin embargo, hay ocasiones en que menos es más, y "Absentia" es un buen ejemplo. El director sabe dotar a la película de una atmósfera adecuada y de pequeños golpes de efecto que funcionan bastante bien. Además, toda la historia está impregnada de una extraña ambigüedad que hace que dudemos de la literalidad de lo que se nos está contando. La película sabe jugar muy bien con esos elementos y la propuesta termina saliendo airosa.
Tal vez se le puede achacar que el ritmo es a veces demasiado lento, y que el elemento fantástico que se nos propone rompe un poco con el tono del resto de la película, pero también es verdad que su naturaleza resulta muy chocante y tiene tintes lovecraftianos, lo que, en mi opinión, funciona como algo novedoso. Además, me parece un acierto (debido a la falta de presupuesto) que en ningún momento se nos muestre claramente ese elemento invasor. Creo que enseñarlo con nitidez hubiese sido catastrófico para una film que basa sus virtudes en esa ambigüedad que antes mencionaba.

El reparto es muy desconocido pero, para tratarse de una cinta tan low cost, cumple con bastante corrección, en especial las dos actrices protagonistas Courtney Bell y Katie Parker. El buen hacer de Mike Flanagan a la dirección, guión y edición del film le llevó a dirigir en 2013 Oculus, el espejo del mal ya contando con un presupuesto mucho más holgado.

Poco más que decir, estamos ante una película de terror psicológico más que decente que juega muy bien las bazas de tener una historia original y ambigua y que no desmerece ante producciones mucho más cargadas de presupuesto.

Mi nota: 6,5